音樂

1997年，法國Tahra唱片公司的創辦者特雷明（René Tremine）推出一本以編年史方式編撰的指揮巨匠福特萬格勒（Wilhelm Furtwängler，1886-1954）錄音目錄，根據上面的記載，福特萬格勒的錄音檔案在1997年來到481個，但這數字還在擴增當中。 根據數十年來不斷更新的唱片目錄，福特萬格勒指揮的柴可夫斯基第四號交響曲版本，原本只有1951年與維也納愛樂的錄音室錄音。1949年8月24日琉森音樂節（Lucerne Festival）實況紀錄則是從未曝光過的音源，甚至連是否有這個檔案的存在，過去都不曾被記載。 John Ardoin在他的《福特萬格勒的指揮藝術》一書裡曾提到，柴可夫斯基作品中的激情特質以及經常的情緒轉換，深深吸引福特萬格勒。法國福特萬格勒協會的創始人阿博拉（Sami-Alexander Habra）在他撰寫的《Furtwängler revisited》一文也談及，1960年代，他曾在一位旅居法國巴黎的舊俄國貴族要求下，播放福特萬格勒的柴可夫斯基第四號交響曲唱片，那位俄國人聽完訝異地表示：「這位土生土長的德國佬，竟然比我聽過的俄國指揮，更能抓住斯拉夫的靈魂。」 1949年的柴可夫斯基第四號錄音來自琉森音樂節的實況，上半場演出的布拉姆斯雙提琴協奏曲，早在1988年就發行唱片，音源來自一位慕尼黑學者的私人收藏，但第一樂章的第336-359小節有50秒遺落，而且音質非常不理想。根據文獻，瑞士羅曼德廣播、南德廣播以及英國BBC都曾廣播過這場雙提琴協奏曲演出，但磁帶在使用後都已抹除。下半場的柴可夫斯基第四號同樣也來自私人收藏，幸運的是，用來錄製的母盤，是效果更好的醋酸鹽盤。 這張柴可夫斯基第四號唱片由法國、德國福特萬格勒協會以及日本福特萬格勒中心（The Wilhelm Furtwängler Centre of Japan）合力促成發行，由阿博拉監製，母帶則交給錄音工程師Charles Eddi進行數位修復。這張唱片有別於1951年I的商業錄音，也逆轉了我對福特萬格勒詮釋柴可夫斯基第四號的刻板印象。 第四號交響曲是柴可夫斯基六首有編號的交響曲中，最富變化且最熱情的一首。相對於《悲愴》的標題性，第四號雖是採純音樂的形式創作，但這首交響曲表現出來的卻是描繪著人類的苦惱徬徨，彷彿一切均由命運的魔掌所操控。此作儘管有優美的旋律，卻也充滿獨特的陰鬱曲調。其幽暗特質深深吸引福特萬格勒。 福特萬格勒留下的第四號錄音室版由EMI名製作人李格（Walter Legge）監製，時間是1951年初，當時，福特萬格勒與維也納愛樂在金色大廳的一系列錄音正接近尾聲。這張柴可夫斯基第四號隔年發行唱片時，許多人認為在錄音中，聽不到福特萬格勒應有的火候，有一種說法，將這樣的問題歸咎於錄音不夠鮮明，削弱了福特萬格勒的力道。 也許福特萬格勒以錄音室形式錄製的柴可夫斯基第四號，缺乏大師在實況演出中慣有的魅力，琉森版的現身大大彌補這個缺憾。兩個僅相隔不到兩年的同曲異盤，福特萬格勒在詮釋手法上並沒有太大的改變，但琉森版有著更濃烈的情緒，儘管音樂表面漂浮著雜訊，尤其第二樂章開頭幾個小節，雜訊非常嚴重，但並不影響聆聽。 三個協會的合作，讓這場獨特的柴四實況復活，演出後持續3分鐘左右的掌聲也被如實記錄，另還收錄兩個約2分13秒的片段，讓收藏者比較第一樂章結尾修復前與修復後的聲音差異，Charles Eddi的母帶修復居功至偉，樂迷在克難的音質條件下，應可聽出比EMI錄音室版更多的感動。 福特萬格勒詮釋的柴可夫斯基作品，很容易因為其血統而被忽略，有人就將福特萬格勒詮釋的《悲愴》交響曲歸類為德式風格，以有別於所謂的俄羅斯正統，但實際上，福特萬格勒以他強烈的主觀意識，傳達出柴可夫斯交響曲的悲劇性，說明了血統關連只有參考價值。

由麻省理工學院和普朗克實證美學研究所聯合進行、發表於《Human Nature Behaviour》的新研究指出，來自不同文化背景人們，都偏好由簡單整數比率形成的節奏，不過這樣的偏好在各個社會之間仍然有所差異，並對探討形塑音樂認知的微妙因素加以探討。 音樂是全球人類生活的重要元素，但其表現形式千變萬化，就像創造它的各種文化一樣。此前研究通常集中於西方社會，暗示了一種對節奏的心理偏好——這種節奏可以被清晰地等分，就像心臟的穩定節拍或時鐘的滴答聲——但這是否放諸四海皆準？抑或是我們自出生起就被周圍的旋律和節奏塑造而致？該研究基於這樣對普遍性音樂認知的好奇，試圖在音樂認知中探尋先天和後天的因素，其規模涉及來自15個國家的39個參與者群體，涵蓋了城市社會和原住民族群體，裨能探索音樂認知，特別是關於節奏方面的普遍性和特定文化性。 麻省理工學院腦和認知科學副教授、該研究共同作者Josh McDermott說明：「這實際上是首開先例，因為我們與當地居民合作、在這些不同的地方全都做了相同的實驗，規模前所未見。」 他們在研究中使用了一種類似於「電話遊戲」的方法，旨在模仿人們如何自然地嘗試複製在音樂中聽到的節奏——一個人把訊息傳遞給另一個人時，通常也會更動原始訊息——具體作法是，讓參與者透過耳機先聽到一個隨機的「種子」節奏，這個節奏由三次點擊的重複循環組成，點擊之間的時間間隔總共為兩秒。然後，實驗要求參與者自己敲出這個節奏，而這個由參與者重現的節奏版本，便被用作下一次重現的新刺激。 這個過程多次重複，讓研究人員能夠觀察節奏重現時的迭代演變。他們假設參與者對特定節奏結構的內在偏好或「先驗」，會讓這些重現逐漸趨向某些節奏模式， 「初始刺激模式是隨機的，但在每次迭代中，模式受聽者的偏見影響，以致它在可能的節奏空間中，逐漸趨近特定的位置」，McDermott解釋，可以藉此了解人們腦中對節奏的內在隱含期望。 分析顯示，在涵蓋15個國家的39個參與者群體中，所有參與者群體的再現行為，都明顯傾向於由簡單整數比率組成的節奏，例如形成1:1:1比率的均勻間隔節拍。這一發現表明了人類音樂認知中的共性——普遍感知和喜愛數學上簡單的節奏。 原文出處

美國唱片業協會（Recording Industry Association of America，RIAA）數據顯示，2023年，黑膠銷售量達4300萬張，比CD多出600萬張，這也是1987年以來，美國市場黑膠銷量第二度超越CD，清晰反映出這17年來黑膠逐漸回歸與復興的趨勢。 黑膠單片價格通常高於CD，所以在銷售金額方面也以14億美元的規模，壓過CD的5億3700萬美元。雖然CD去年的銷售收益有所增長，但跟2022年相比，人們其實少買了70萬張CD，而卡帶卻有50萬卷的成績，顯見CD在實體市場的困境。 而如今鋒頭正健的，當然非串流莫屬，去年如SiriusXM、TuneIn等付費服務與依靠廣告收入營運的平臺，創造了音樂產業84%、約達144億美元的破紀錄收益。美國唱片業協會執行長Mitch Glazier則指出，伴隨著成長數字而來的，還有威脅著音樂成長活力與文化的AI技術——雖然人類音樂面臨危機的程度不明，但業界顯然已與深偽AI服務開戰。 不過CD賣不過黑膠也不奇怪，畢竟現在連車上跟電腦上都不常配備CD播放器了，向人展示自己的CD收藏牆面，也不再是多有面子的事——可是如果手上有車庫拍賣樂譜、特版唱片、演唱會老週邊，必受發燒友或懷舊者青睞——儘管他們也會承認：黑膠很酷，但實際上沒比CD強。 原文出處

英國知名指揮家安德魯戴維斯爵士（Andrew Davis）20日在芝加哥去世，享壽80歲，他的經紀人已證實噩耗。安德魯去年被診斷罹患白血病，原已獲控制，兩個月前惡化。 英國廣播公司BBC報導，安德魯戴維斯是BBC交響樂團任職時間最長的首席指揮之一，也是倫敦BBC逍遙音樂季的熟面孔，以其在「最後一晚」的幽默演說而聞名。安德魯戴維斯的經紀人向 BBC新聞證實了他的死訊，並補充說：「他過著非凡、豐富、有意義的生活。」 倫敦皇家歌劇院（Royal Opera House）在社群平台X上發表哀悼聲明寫道：「聽到指揮家安德魯戴維斯爵士去世的消息，我們深感悲痛。在長達50多年的職業生涯中，他是包括BBC交響樂團、合唱團以及格林德本的多家世界著名歌劇院、交響樂團的藝術領袖。」 音樂家兼指揮家朱利安勞埃德韋伯（Julian Lloyd Webber）在社群平台X上貼文稱：「得知安德魯戴維斯爵士去世的消息，我感到悲傷。他是一位偉大的音樂家，對他的獨奏家非常棒。」朱利安勞埃德韋伯指出：「我很珍惜2012年與他及愛樂樂團合作戴流士協奏曲的美好回憶。願他安息。」 安德魯戴維斯1944年生於英格蘭東部赫特福德郡，其職涯在BBC交響樂團（1989-2000擔任首席指揮）和格林德本音樂節歌劇院（1988-2000任音樂總監）獲得巨大成功。安德魯戴維斯留著濃密的大鬍子，喜歡繫著蝴蝶結，在BBC交響樂團任期中，安德魯戴維斯恢復了老一派指揮沙堅（Malcolm Sargent）建立的傳統，總是在每次BBC逍遙音樂季和最後一晚的電視節目上露臉，讓人一眼就能認出。 安德魯爵士還曾擔任國際職位，包括領導多倫多交響樂團和墨爾本交響樂團。在同行眼中，他是一位和藹可親的指揮家，經常幫助陷入困境的音樂家，是英國樂壇的模範。 安德魯戴維斯的曲目範圍廣泛，從巴哈到英國作曲家伯特威斯爾（Harrison Birtwistle）的作品，他的指揮功力也非常驚人。英國知名音樂評論員萊布雷希特（Norman Lebrecht）回憶說，在安德魯戴維斯的排練下，許多傑作都沒有任何繁瑣或虛飾，正式演出時看似樸實無華，卻隱藏著強大的感染力和深度。排練中，團員的任何緊張情緒常被他的笑話所化解。 安德魯戴維斯離開BBC後，與第三任妻子羅蘭迪（Gianna Rolandi）一起搬到芝加哥居住，羅蘭迪是美國女高音，3年前去世。 萊布雷希特表示，他最後一次看到安德魯戴維斯，是在利物浦的一場音樂會。「音樂會結束後，他在希望街酒店（Hope Street Hotel）享受小酌時刻，滿是和藹可親和閒聊，他是一位可愛且謙虛的人，擁有絕妙的時機掌握和對所創作音樂的熾熱愛好。」

「你給孩子聽什麼，他們就會吸收什麼。」秉持著這個信念，金曲獎音樂製作人陳品先，與賦格兒童音樂創辦人陳怡臻，一同為台灣兒童錄製了首張「沉浸式古典樂說故事」專輯《森林嬉遊曲》，用最高水準的音樂演奏，搭配不落俗套的故事鋪陳，賦予聽覺教育的嶄新選擇，4月已於網路平台全面上線！ 陳怡臻表示，會投身製作《森林嬉遊曲》專輯，全是來自觀眾的殷殷期盼：「許多父母在帶孩子參與賦格舉辦的音樂活動後，便會問我們有沒有延伸聆聽的內容，可以回家放給孩子們聽。」這也讓陳怡臻重新檢視了市面上的兒童聽覺內容：即便有很多很棒的說故事平台，但礙於演出與曲目版權，幾乎沒有能夠精準配合音樂的錄音，陳怡臻因此下定決心，要產出能讓孩子們一聽再聽的高品質內容。 若是熟悉古典音樂的聽眾，應該會驚訝地發現《森林嬉遊曲》取材了相當多經典旋律，像是貝多芬《命運》交響曲、莫札特《土耳其進行曲》、小約翰史特勞斯《維也納森林的故事》等，此外還搭配上童謠《小星星》、《當我們同在一起》等耳熟能詳的歌曲，重新搭配故事的旁白或是對話，潛移默化地進入孩子的腦袋裡，這完全是賦格過往舉辦活動的經驗，陳怡臻表示，孩子們的耳朵其實相當靈敏，經歷時間千錘百鍊的古典名曲，都相當容易被孩子們吸收：「我們刻意不特別講解這些曲目的來源，希望他們都能很自然地接觸這些經典旋律。」 賦格的長期合作夥伴，同時也是《森林嬉遊曲》專輯製作人的陳品先表示，自己雖然並非學古典出身，但在有了小孩之後，也發現經典的魅力：「你餵孩子什麼，其實他就會吃什麼。」現代父母在育兒時常常倚賴數位工具的幫助，如果能提供更多具有文化底蘊的內容，自然也可以從小形塑孩子們的鑑賞力，這也是他長期投入賦格音樂活動的主因之一。 因此，在錄製《森林嬉遊曲》時，陳品先運用了自己過往的管弦樂錄製經驗，並且挑戰讓觀眾感受到完整現場樂團的感覺，是台灣首次以「全物件導向環繞陣列麥克風錄音技術」錄製的古典樂專輯，不管是用什麼樣的模式收聽，都能感受到立體空間音訊，成為實質意義上的「沉浸式聆聽」體驗。 在《森林嬉遊曲》後，是否還有繼續製作新專輯的打算？陳怡臻表示錄音真的太耗費資源了，可能短時間無法另有計劃：「不過如果反應相當好，當然會希望能產出更多優質的內容！」目前也預計會上線純音樂版的《森林嬉遊曲》，讓孩子們有機會配合自己說故事。至於未來，賦格除了將繼續既有的活動外，也期待能開始講述台灣的故事內容，配合高水準的音樂演出，讓孩子們能更加認識自己生長的土地。 ※賦格兒童音樂＆《森林嬉遊曲》官方網站 原文出處

根據古希臘哲學家畢達哥拉斯的說法，「和諧」——一種聽起來愉悅的音符組合——是基於3和4等簡單數字之間的特殊關係產生的。近年來，學者們試圖找到心理學上的解釋，但這些「整數比率」仍然被認為使和弦聽起來美妙動聽，而偏離這些比率則被認為會使音樂聽起來「不和諧」，也就變得不愉悅了。 然而，來自劍橋大學、普林斯頓大學和普朗克實驗美學研究所的研究人員現在發現，畢達哥拉斯的說法在物理上沒有問題，但從審美角度來看，卻未必符合人們的真實感受。 劍橋大學音樂學院教授、音樂與科學中心主任Peter Harrison博士帶領的團隊發表在《Natural Communication》期刊上的研究顯示，在一般的聆聽情境中，我們實際上並不偏好完全符合這些數學比率的和弦，Harrison說：「我們更喜歡微小的偏差。我們喜歡一點點的不完美，因為這賦予了聲音生命，而這對我們很有吸引力。」 他們還發現，使用某些對西方音樂家、觀眾和學者來說不太熟悉的樂器時，畢氏提出的那種數學關係就容易失效，這些樂器通常是鈴、鑼、某些類型的木琴和其他種類的定音樂器，其中特別提到來自爪哇雅加達音樂的一種樂器「bonang」，它是由一系列小鑼組成的：「當我們使用像bonang這樣的樂器時，畢達哥拉斯的特殊數字就不再適用，我們遇到的是全新的和諧模式。」 Harrison解釋：「某些打擊樂器的形狀，意味著當你敲擊它們並且產生共鳴時，它們的頻率成分不符合傳統的數學關係，有趣的現象就此發生……西方研究一直非常關注熟悉的管弦樂器，但其他文化使用的樂器，因為它們的形狀和物理特性，就被我們稱為『不和諧』。」 研究人員創建了一個線上實驗室，有4000多名來自美國和韓國的人參加了23個行為實驗。參與者聆聽和弦，並用數字給每個和弦一個愉悅度評分，或使用滑塊調整特定音符的和弦，使其聽起來更愉悅，由此收集了超過235000個人類判斷。 這些實驗從不同角度探討了音樂和弦。一些聚焦於特定音樂間隔，並要求參與者判斷他們是否比較喜歡完美調音、稍微尖銳或稍微偏平。研究人員驚訝地發現，人們對輕微的不完美或 「非和諧」有顯著偏好。其他實驗則探討了西方和非西方樂器的和諧感知。 報告指出，bonang的共鳴狀況與印尼文化中使用的特定音樂音階完美契合。這樣的和諧無法在西方鋼琴上復制，因為它們會掉進西方慣用音階的空隙之中。 原文出處

Tilman Michael將自2024-25樂季接替已經在任17年的Donald Palumbo，成為紐約大都會歌劇院（Metropolitan Opera）合唱總監。他發表聲明道：「大都會是特殊的、更是全球頂尖的歌劇院之一。紐約，當然是非常非常有活力與趣味的城市，我想這裡充滿機會。」 49歲的Michael，有10年拜魯特音樂節助理合唱總監的資歷，曾為德國國立曼海姆劇院合唱總監，自2014-15年起，在法蘭克福歌劇院擔任相同職務。此前他曾於2019年和大都會歌劇院音樂總監涅傑—瑟貢（Yannick Nézet-Séguin）指揮的鹿特丹愛樂，合作蕭斯塔科維契的第13號交響曲，由巴伐利亞廣播交響樂團合唱團擔綱人聲。 涅傑—瑟貢與大都會歌劇院音樂行政總監Thomas Lausmann於去年聯繫Michael。Lausmann到法蘭克福看了《唐卡羅》，Michael則到大都會看了《命運之力》和《杜蘭朵》。 該院行政總監Peter Gelb表示，Michael應徵時與大都會歌劇院合唱團協作了一天，涅傑—瑟貢和Lausmann都認為就是他了。 合唱團是大都會歌劇院的核心，由74位團員與85位協演歌手組成，每週要演出四部歌劇、七個場次，每個樂季面對十八部作品。 原文出處

以室內樂演出聞名的倫敦威格摩爾音樂廳（Wigmore Hall），鑑於「英國不穩定的古典音樂公共環境」，為擺脫公共補助、實現完全自立，宣布啟動總額1000萬英鎊的募資計劃，可謂開全英風氣之先。 目前該廳每年從英格蘭藝術委員會（Arts Council England）得到344206英鎊資金，不過這只佔它營運所需的極小部分，據其藝術兼行政總監John Gilhooly表示，他們的自籌比，已經達到97%。新一輪募資以「總監基金」（Director’s Fund）為名，初始目標數額700萬英鎊，希望2027年可以再增加到1000萬、十年內可達2000萬，最終讓這個已有123年歷史的場館在必要時可以100%自力營運。 COVID-19疫情衝擊與補助款緊縮，讓英國樂團和演出場館走到存亡關頭——伯明罕市議會就剛砍了該市交響樂團63萬預算——諸如Cheltenham音樂節或新音樂團體Psappha等，因為藝術委員會取消補助，只能調整或直接消失；英國國家歌劇院（English National Opera）被抽銀根並須遷院一事，更是鬧得沸沸湯湯；更不消說連BBC都想要解散合唱團了。 去年，知名指揮拉圖（Simon Rattle）就直言，古典音樂在英國面臨生存持久戰，不可坐視藝術團體日漸消亡。 Gilhooly指出，威格摩爾音樂廳去年來客量已經超越疫前水平，票房年度上漲率超過28%。不過他也分析，不在倫敦的場館募資確實更加困難，藝術委員會的挹注因之愈為關鍵，但其現行之「Let’s Create」政策，對多數古典音樂團體而言都大有問題，該會應正視其事、聽取建言。 原文出處

這張是1993年俄國Melodiya在日本發售的MELCD 10 00720。CD上除了收錄福特萬格勒大戰期間的貝多芬第五號交響曲外，還包括他唯一的布魯克納第六號錄音。但貝多芬《命運》交響曲一結束，緊接著的是第六號慢板，因為少了第一樂章。 1943年，福特萬格勒突然在維也納和柏林的7場音樂會指揮了布魯克納第六號交響曲，他對外表示，很高興能在57歲時能嘗試演奏布魯克納這首交響曲。但後來的指揮歲月，福特萬格勒再也沒碰過此作。而7場的演出中，10月23-25日有3場指揮維也納愛樂，11月13-16日有4場指揮柏林愛樂，只有與柏林愛樂的演出留下一次性的錄音。 至於為什麼缺少第一樂章，原因不明，但有訊息指出，前蘇聯軍隊佔領柏林後，徵用了當時性能極好的磁帶和磁帶錄音機，之後磁帶錄音機被帶往莫斯科，在當地錄製了許多俄國演奏家的演出，當時磁帶是貴重物品，為了節約資源，有些錄好的磁帶會被抹除重新使用，換句話說，福特萬格勒1943年的布魯克納第六號有可能是被抹除的錄音之一，但究竟有多少帝國廣播公司（Reichs-Rundfunk-Gesellschaft mbH，簡稱RRG）的錄音被犧牲，答案在俄國，至今無可考。 布魯克納第六號交響曲的World Premiere Recording有三位候選版本，福特萬格勒1943年版、Eugen Jochum的1944年錄音，以及捷克指揮家Henry Swoboda錄於1950年的商業唱片，前兩者都是廣播音源，都比Henry Swoboda的錄音時間更早，但為什麼最終Henry Swoboda的版本成為World Premiere Recording？因為福特萬格勒盤在1987年才登場，而且缺了第一樂章。Eugen Jochum版是不以販售為前提的廣播錄音。因此最後符合條件的就是Henry Swoboda版。 福特萬格勒這場1943年錄下的布魯克納第六號，直到1980年代中後期才曝光，最早可能是Melodiya的LP版本（1985？），然後有日本私人盤W28-29的發行。 我第一次聽布魯克納第六號就是此版，當時是透過Tahra發行的FURT-1004/7，因為沒有第一樂章，從慢板聽起，突然有一種「怎麼有這麼美的音樂」的感覺？而且還是沒有首樂章的錄音，總之是很奇特的聆聽經驗。在福特萬格勒所有Melodiya CD中，這張布魯克納第六號，我認為無論演、錄都是極為重要的一張，很慶幸第二、三、四樂章被保留下來，而不是第一樂章的失落。與1950年代初的現場音質相比，這個1943年的錄音毫不遜色。

正在進行《二十年一刻》巡迴演唱會的蘇打綠日前宣布新一張復刻專輯《春．日光（蘇打綠版）》開始預購，專輯將在春天應時推出，讓吉他手家凱在Instagram限時動態寫下「4/12蘇打綠要發春了！！」，提醒打粉們記得預購。 迎來出道20周年的蘇打綠（aka魚丁糸）因版權歸屬問題，於2022年開始復刻計畫，重新錄製過往專輯，一切從從頭開始，賦予經典歌曲新意，也讓粉絲能夠沒有顧慮享受音樂。如今復刻進度已來到了「韋瓦第計畫」，《春．日光（蘇打綠版）》將率先推出，於今天（12日）正式開始預購。 為了復刻發行距今15年的《春．日光》，蘇打綠特地在3月底的香港演場會結束後赴日本取景，除了還原青峰當年在日本日光旅遊時創作〈日光〉的心境，更貼合專輯中〈融雪之前〉的情景。日前以雪地為背景的多張絕美照在臉書率先釋出，提醒粉絲們記得預購復刻專輯，同時也向粉絲們預告春天來了。 值得一提的是，蘇打綠當年推出的韋瓦第計畫以春、夏、秋、冬四季分別對應4座不同城市錄製，有別於〈春．日光〉在台東錄製，復刻版選擇到日光市，由此可推論韋瓦第未來3張專輯錄製的城市大抵也會別於以往。然而就算城市不同了，粉絲仍能在蘇打綠的音樂中感受到他們不變的熱忱，20年來如一日，就如復刻計畫一般，未來也將以這樣的初心帶給粉絲們最真摯的音樂。