專欄

教育電台由陳碧涵博士主持的「與美感教育共舞」節目專訪藝術家葉佳緯。 那是一個清晨，葉佳緯站在京都一間民宿的陽台上，看著屋瓦錯落的城市，在光與影的推移中緩緩甦醒。那一刻，時間靜止了，空氣中的每一道線條彷彿都低聲訴說著過往與當下。那是一種無聲的震撼，讓他明白，美並不藏身於遠方或殿堂，而是在那些不經意的生活角落，等待被凝視、被傾聽。那天的感動，如一粒種子，在他心中生根發芽，悄悄改變了他觀看世界的方式，也引領他踏上與空間對話、與土地對話的創作旅程。 葉佳緯以建築為根，藝術為葉，長出一片關於城市與記憶的林。令眾人印象深刻的，是他在2025年台灣燈會上展出的作品《家》，那是一座靜靜佇立的立體裝置，融合多元文化家屋的輪廓，在水塘邊倒映出觀者內心對家的想望。葉佳緯並沒有刻意設限觀賞方式，而是讓鏡面與倒影、空間與光影引導觀者走進去，停留下來，自由地對話與感受。他發現，這樣的開放安排反而讓觀眾更願意靠近，浮現自身的回憶與故事。這不只是一場展覽，更是許多人心中「家的形狀」被輕輕照亮。 葉佳緯也深耕城市走讀與美感教育，在桃園大溪的走讀非常有意義：帶著幼兒園的小朋友穿梭在老街巷弄、藥行與佛具店之間。那些我們早已習以為常的空間，竟然在孩子純真的驚嘆與提問中重新閃耀。孩子會問：為什麼藥櫃那麼高？為什麼佛像戴著紅巾？這些看似天真的疑問，點醒了大人們早已遺忘的感受力。他認為，提問是學習的起點，也是美感被喚醒的開端。走進街道、抬頭看屋簷、伸手摸牆面這些微小的動作，正在讓我們重新與自己的生活空間建立聯繫，重新感受我們文化的溫度與脈動。 美從來都不遙遠，它可能藏在一只洗得發亮的早餐碗裡，在街角那棵風中搖晃的老樹上，或者是一扇我們曾無數次經過卻從未仔細端詳的窗。真正的美感教育，或許不在教室，也不在博物館，而是在我們願不願意慢下來，張開感官，讓自己與生活重新相遇。當我們開始練習這樣的觀看與提問，也就開始讓世界變得更柔軟、更深刻，也更美。

教育電台由陳碧涵博士主持的「與美感教育共舞」節目專訪台灣崑劇團洪敦遠 製作人。 洪敦遠道出心中最美、最深刻的感動，是在2014年走進日本國立能樂堂的那一刻：他看見到不被時代催促的能劇表演節奏，每一個動作，每一聲吟唱，都不為取悅而妥協，只為忠實呈現藝術的原貌。這份從容，彷彿望見了時間最初的樣子。這段經驗深深觸動了他對於傳統的美感渴望，也觸及了他在德國求學時所接觸過的古樂世界。同樣講究還原——無論是樂器、樂譜，還是詮釋的方式，都朝向：貼近原著的真誠。此等深刻的體驗，如今都成為他推動崑曲、擁抱古典的底氣與養分。 台灣崑劇團成立25年來，像是一位溫柔的守園人，在時代的浪潮中靜靜守護著崑曲這門古老而優雅的藝術。洪敦遠說，崑曲的節奏緩慢、語言婉轉，但它從不遙遠。它講愛、講夢、講人的情與困，和我們每一個人的生命歷程都息息相關。這些年，台灣崑劇團致力於培養青年演員，也積極與現代藝術跨界合作，讓崑曲既保有古典的身段，也長出面向未來的靈魂。台崑不是為了保存而保存，而是要讓崑曲活在今天的呼吸裡。 2025初夏，台灣崑劇團有兩檔值得期待的演出：首先是，5月31日和6月1日即將上演的原典版《牡丹亭》，由新生代演員詮釋杜麗娘夢中初戀的婉約篇章，透過音樂與身段，勾勒出春光與情感交織的夢境；接著是，6月13日登場的《嚦嚦鶯歌溜的圓》，是一場十分特別的「古韻今聽」音樂會——上半場以AI翻譯十種語言，道地地詮釋崑曲古典文本，讓來自不同文化背景的聽眾，能在各自熟悉的語言中聽見那場夢的深意；下半場，則回歸崑劇最純粹的本質——無麥克風的擴聲、原聲樂隊的演奏、演員最真實的嗓音，在不假修飾的演出中，讓聽眾感受崑曲樂音與劇場的本初之美，如同清泉，直接而深刻！歷久而彌新。 這個時代太快了，快得讓人沒有時間聽一首曲、看一朵花開。但是，崑曲願意等，願意慢慢地，把美重現還給人們，把夢還給生活。洪敦遠企盼大家一起走進劇場，走進一場戲，也走進一種更柔軟、更細緻的生活節奏。因為當我們願意放慢腳步，就能在一折戲裡，重拾生命的溫度與詩意。

教育電台由陳碧涵博士主持的「與美感教育共舞」節目專訪寶藏巖國際藝術村營運部總監張玉漢博士。 現職寶藏巖國際藝術村營運部總監的張玉漢博士，形容自己最初像一個「大老粗」，直到去西門紅樓赴任時，才真正體會到美感帶來的震撼與怦然心動。現在，對張玉漢而言，寶藏巖的美，不是單一的視覺華麗感受，而是隱藏在巷弄間、在斑駁牆面與呼吸間流動的情感，是一種深植生活、溫柔而堅韌的存在，每一次走入其中，都像再次感受生命的跳動與奇蹟。 寶藏巖，是個隱匿於城市邊緣的珍寶，見證了台灣半世紀以來的社會縮影。從二戰後庶民自力搭建的棲居地，歷經時代洪流的洗禮，如今，轉化為市定歷史建物以及國際藝術家駐村的基地。這裡不僅保存了生活的記憶，更為台灣開闢出一個讓在地與世界對話的窗口。每一面老牆、每一條蜿蜒小路，都承載著無數人的夢想與堅持，現今，寶藏巖以開放的姿態擁抱藝術，讓過去與未來在此交織動人的篇章。 每年，3月至5月間，寶藏巖舉辦以光為主題的光節，讓藝術與夜色交織出一場場奇幻的夢。緊接著，今年的7月將迎來「寶村遇見黃土水」教育特展，向台灣雕塑前輩致敬，讓更多人認識這位將溫柔鑄入堅硬石材的藝術家。8月底、9月初，水源市場周邊的巷弄藝術節也將接續展開，讓藝術與生活無縫交融，每個轉角、市井場景，都可以成為令人怦然心動的美感瞬間。 張玉漢邀請聽眾們，親身走進寶藏巖。無論是晨曦微光，還是夜色低垂，這裡總有不同的美悄靜等著你。或許是轉角的一抹牆面，或許是一個不經意的微笑，又或是一株在風吹中搖曳的老樹——每一刻都是生命在向你低語。給自己一個機會，用心去觸摸那些藏在生活縫隙裡的細緻光芒，讓你的生命因此更加豐富而明亮。

教育電台由陳碧涵博士主持的「與美感教育共舞」節目專訪製偶師許幃泓。 許幃泓回想過去的製偶創作發想，應是源自於九〇年代台灣廟會的布袋戲視覺衝擊，那些金蔥布料、臉譜、妝容與擬人化的表演深深吸引著他。再者，國小時期的老師們不僅在課堂中鼓勵動手創作，還帶小朋友們去看戲、參觀展覽；他的國小美術老師，還保存了他當年的皮影作品至今。多年後，他重返母校，那段童年純真的創作能量仍讓他深深感動——純然的、快樂的創作初心，是他走上製偶道路的重要養分。 家人的支持更是關鍵情境因素，為了做偶，他把一般家庭必備的餐桌移除，把縫紉機搬進客廳，家人雖感不便卻從未抱怨，他的母親和姐姐甚至連拒絕的機會都沒有，就成了他的作品模特兒，得協助試裝、配合製作。這份無聲的支持，成了他圓夢的最大後盾。許幃泓說他很幸運能生在一個充滿愛的家庭，即使物質不豐富，卻給了他最重要的——自由與信任。 當製偶夢想從客廳延伸到世界舞台，許幃泓不斷精進技術，從立體建模、3D列印，到材料開發、點石成金與跨國巡演，他始終以高度自律與熱情面對挑戰。他強調，製偶是一門融合雕塑、服裝、化工與機械的複合藝術，每一次製作，都是新的學習和跨越，要開發有限的自己，擁抱無限的可能，與不同文化脈絡下的人事物合作，成就創意實踐。 他曾為罕病兒童創作偶，試著帶給大家歡笑與希望。這樣的參與不只是創作，更是一種傳遞幸福的方式。能以一雙巧手，將想像化為具體，賦予偶生命；將自己的熱情與創造力深深植入每個偶，用以無礙地、傳神的化入眼神與動作展現，藉偶傳情達意，跨越困境，獲致共鳴，得到歡樂及慰藉，這是最美的感心創作。 深知「夢想」不是浪漫的名詞，而是一條不斷跨越困難、不斷成長的道路。年輕人要勇敢追夢，即使一開始看不見出口，也不要懷疑努力的意義。許幃泓說：「方向對了，就會走到想去的地方。」對他而言，美，是那些發亮的眼睛、願意伸出雙手的陪伴，以及在有限中創造無限的那份心流與堅持。

教育電台由陳碧涵博士主持的「與美感教育共舞」節目專訪艸雨田舞蹈劇場創辦人王羽靖。 艸雨田舞蹈劇場創辦人王羽靖，從小就在舞蹈教室裡長大。那是一個充滿汗水、音樂與笑聲的空間，也是她最初感受到「美」的地方。看著全神貫注、揮汗如雨、反復練習⋯⋯不知疲倦的美麗身影，深深烙印在她的心底。童年時，她沒有學舞，但總愛編排故事、組織小劇場，央著舞蹈老師們一起玩。赴美攻讀企業管理與劇場導演後返台，回到新竹創辦艸雨田舞蹈劇場，將所學與藝術理想結合，開啟一條舞蹈、製作與創業並進的創新之路。 羽靖因著成長經驗影響，她相信舞蹈不只是展演，更是一種與社會對話的方式。艸雨田舞蹈劇場的誕生：是希望讓在地培育成長的舞者能回到家鄉，在熟悉的土地上發光發熱，讓舞蹈可以深植於城市與生活之中；也努力地拓展觀眾的感知邊界：透過沉浸式劇場、戶外環境創作，縮短藝術與觀眾的距離。她說，只要觀眾願意靜下來、打開感官，舞蹈就能成為一種情感的通道，使人有機會接近美！ 艸雨田舞蹈劇場自2017年創團以來，持續用作品回應世界。從「竹塹印象」系列挖掘新竹的文化地景，到結合社會議題的創作與國際交流，不斷拓展舞蹈邊界。除了曾受邀參加法國外亞維儂藝術節、孟加拉國際演出等，2025年五月亦在台灣推出與法國編舞家共製的新作《親密境地》。作品聚焦在「距離與親密」，描繪人們如何重新尋找連結，思索我們與自己、與他人之間的靠近與分離，舞蹈成為一種探問，也是一種撫慰。 王羽靖：「很認真、很專注的樣子，就是一種美。」她建議大家寫下腦海中覺得「很美的十個畫面」，並在今年努力靠近它、實踐它。她相信，美不是遙不可及的理想，而是從自己出發、與他人連結、透過行動與感知慢慢形塑的生活狀態。美可以是一種力量，也可以是日常的柔光，只要願意走向它，就會與它相遇。

楊子儀／吶幫人樂團統籌執行長 國立台北教育大學音樂學系碩士 南台灣極具指標性的音樂季「大港開唱」不久前剛剛落幕，因應政治上立委大罷免的議題，出現不少志工在場外入口周邊號召連署，但引起網路上陸續出現一些「音樂歸音樂，政治歸政治」的呼籲。音樂與政治有可能完全脫鉤嗎？ 2024年第35屆金曲獎最佳台語專輯獎得主巴奈在發表感言時，曾說：「不要以為流行音樂跟政治沒有關係」！其實，不只流行音樂，縱觀歷史文化，可以發現音樂與政治緊密關聯的蹤跡。首先，「政治」指的是什麼？在教育部重編「國語辭典」修訂本中說，「政」就是眾人的事，「治」就是管理，管理眾人的事便稱為「政治」。而在「劍橋辭典」中「政治」（Politics），是指政府的活動、立法機構成員的行為，或試圖影響一個國家治理方式的人的行為。可見政治和大家的事情、政府的行為和國家治理有密切關係。 音樂源於生活 與管理眾人之事密切相關 音樂為什麽離不開政治？主因之一是，政治的主流意識會影響到樂團的生存，符合執政黨政策主張的樂團便能拿到補助？很明顯的「樂團」能否生存，離不開「執政黨」的扶持。必須注意的是，音樂不像政治宣講，不必然侷限在言語的框架中，也不盡然只為特定的政治立場服務。再說既然「政治」是治理「眾人」的事，並意欲影響國家治理方式的行為，那麼與眾人、國家及治理，有關的音樂必然源於眾生，必會反映社會脈絡，與民眾在言論自由下的訴求或批判；所以，音樂不會只是代表狹義的政黨訴求而已。正是如此。音樂與政治無法脫鉤，因為政治與音樂同源於生活百態。 西洋音樂在巴洛克（Baroque）時期時，音樂家普遍依附於貴族、教會而生，絕大多數的作品是為上流社會社交所作；直到古典（Classical）時期，隨著啟蒙思想的影響，民主自由的理念萌芽，作曲家的生計由最初依賴宮廷、教會，更多轉向獨立創作；作曲家更能自由表達自我的感情與意志。例如大家熟知的貝多芬（L. v. Beethoven），曾將其曲樂獻給拿破崙，後因拿破崙稱帝，憤而更改樂曲第三號交響曲標題《英雄》。而後在浪漫時期中，個人情感的展現益越發被強調，在當時的時代背景下，如蕭邦（F. Chopin）受到波蘭十一月起義啟發，創作了《G小調第1號敘事曲》；又如柴可夫斯基（ P. Tchaikovsky）為俄法戰爭所譜寫的《1812序曲》等，許多舉足輕重的音樂家們，皆因大環境的影響，創作了令人驚嘆的與「政治」相關作品。 1949年國民政府來台，施行戒嚴，禁歌最多時高達898首，當局以各種理由，查禁政府認為有問題的音樂作品。1987年7月15日宣布解嚴，人民的言論、出版、集會等權利不再受限，地下音樂遂逐漸浮出水面。直至今天音樂界百家爭鳴，獨立樂團在追求創作自主、不受商業擺佈下，音樂更貼近社會、生活。音樂表達社會各個階層的聲音，例如：林生祥的〈我等就來唱山歌〉、羅大佑的〈鹿港小鎮〉、滅火器的〈島嶼天光〉、閃林樂團的〈護國山〉，都是膾炙人口的音樂。現今音樂的發展非常多元與自由，在各種音符樂聲的交織下，多元民主雖然跌跌撞撞，卻邁向民主鞏固，音樂與政治攜手而進！ 音樂與政治無法一刀切 走筆至此，還是要問：真的可以做到「音樂歸音樂，政治歸政治」嗎？強制性的把音樂與政治一刀切，是否就是真正的中立呢？獨立的搖滾樂隊「萬年青年旅店」創作的〈這顆行星所有的酒館〉，其中的歌詞寫到「把一切交付於夢境和優美的浪潮，在這顆行星所有的酒館青春，自由似乎理所應得，面向渙散的未來只唱情歌看不到坦克」歌曲嚮往著自由青春的情歌，希望不受到意謂國家權力的坦克，會不會感慨政治無所不在呢？又何必自欺欺人的硬把音樂與政治強制隔離？ 當音樂不再只是娛樂，開始承載眾人生活的意識與話語，見證權力的輪替、世代的更迭與興衰，在酒館裡唱情歌的我們，是否也該抬頭聽聽窗外，那些經常被忽視的旋律，不被刻意政治化的生命音符呢？

教育電台由陳碧涵博士主持的「與美感教育共舞」節目，專訪國立台灣藝術大學古蹟藝術修護學系洪耀輝系主任。 台藝大古蹟藝術修護學系系主任洪耀輝，國中畢業後因家境清寒為習得一技之長，而踏入廟宇木雕世界，跟著師傅蓋廟，展開3年4個月的學徒生活。每天清晨5點起床買菜煮飯、整日投入雕刻、晚上10點才休息，生活甚是艱苦，忍著忍著卻也磨練出他精益求精的堅持與心性的穩定性。回憶起那段時光，備嘗辛苦，一心只想習得好本事，打開雙眼、觀察默識、心領神會地力爭上游，這是現在的孩子很難想像的辛勞，洪耀輝非常珍惜這一路走來的每一步。 洪耀輝技藝深厚，師承匠師蘇海萍的精細神像、神龕等功夫，做中學之下累積了廟宇木雕藝術的各樣特有技藝。他曾參與台北龍山寺、三峽祖師廟等多座重要廟宇的木雕工程，這是最珍貴的人生成就和技藝爆發期，身邊都是大師，襲得了寶貴的文化資產和精神。他認為，木雕藝術不僅是技術，更是文化、信仰與美感的結合；每一刀、每一筆，都是情感的延伸。洪耀輝強調，廟宇是社區人心的寄託，藝術化的呈現則是要讓人們更能親近感受到溫暖與尊重。對文化的敬意，已成為！就是！他的教育核心信念。 洪耀輝是教育部2024年藝術教育貢獻獎——「活動奉獻獎」得主，這個獎對他而言，意味著、肯定了他多年來在教育現場的孜孜不倦付出。走上教育傳承這條路，是當年做為學徒的他以及他的父親，從未料想到的事，他先受聘為兼任講師，後而改聘專任、升至教授、擔任系主任⋯⋯。木雕是門博大精深的文化藝術，他手把手教導學生，陪學生們製作畢業作品，度過無數的夜晚到天光。儘管學生一開始對木雕不熟悉，在一次次敲打與雕刻中，慢慢建立了自信與熱情，對他來說，這就是教育最美的樣貌。 洪耀輝說：「只要是親手做的作品，就是美！」他認為，美不是完美，而是來自每一個願意動手、動心、努力完成的過程。他將一生所學，無私地教給下一代，透過教學與創作，讓傳統木雕藝術持續發光。這份職人精神和教育情懷，是洪耀輝給予這個時代最動人，也是最美的作品。

教育電台由陳碧涵博士主持的「與美感教育共舞」節目專訪新竹市文化局王翔郁局長。 王翔郁局長成長在重視學科教育的時代，藝術課程只是簡單的畫畫塗鴉，並未帶來深刻的美感體驗。隨著升學壓力的增加，藝術課更成為應付考試的借課對象；直到他前往美國求學，才開始接觸到不同的美學思維。起初，對藝術並無太多感受的他選擇了電子類科專攻，但設計電路讓他感到枯燥無味，最終，他轉向藝術和繪圖，並開始參與音樂、舞蹈、表演等藝文活動，這才讓他開始真正體驗到生活中美感無所不在，可以豐富身心，感到幸福快樂。美感生命經驗的觸發，對他而言竟然是條漫漫長路，到了成年才開蒙、積攢，雖有遺憾，但也算為時不晚，尤其是，今日身為文化施政推手，就更清楚文化美育形構時，便要從勾勒思想藍圖的草稿開始，找到立基、利基和力基展開布局，豐富市民的美感多彩經驗，不讓美感生活空白懸缺，而有遺憾。 王翔郁說新竹市擁有悠久的歷史與深厚的文化底蘊，從古老的城隍廟、到頂尖現代科技的科學園區，無處不散發著獨特的魅力，無論是傳統文化還是現代創新，都可以在這裡找到平衡點。科技重鎮的現代感，傳統技藝的特色載體，豐富的原住民、客家以及新住民文化，都使得新竹成為一個多元、包容、充滿活力的城市。 近年來，新竹市的各項文化活動，有跨越各年齡層的兒童遊藝節、廣受好評的原創動漫節，與國際頻繁交流的玻璃藝術節等等，都是新竹市文化局努力推動的成果。不僅展示了新竹獨有的文化特色，也為在地藝術家提供了展現的舞台，有助於提升市民的文化素養和美感涵養，更讓新竹市成為文化交流的重要平台，吸引更多來自各地的創意與靈感相互交輝發亮。 王翔郁鼓勵大家多多親近美，走出戶外，去感受城市中的每一處美景與文化。只有當我們從內心去珍惜和欣賞這些美好，才能夠讓文化在生活中發光發熱，讓美，遍地開花。

教育電台由陳碧涵博士主持的「與美感教育共舞」節目專訪水源地文教基金會董事長葉晉玉。 葉晉玉的美感啟蒙，來自於承載著客家記憶的土地。村民們的彼此守望，客家歌謠在曠野田間的悠揚飄蕩，生活的種種感知形成了美感意識，轉化為客家文化記憶，滋潤著他，即使後來搬至都市求學與工作，亦從未忘懷那片孕育他的土地。 921地震後，葉晉玉投入台中災區震後重建，推動社區總體營造，期盼透過文化與藝術的力量，幫助居民重建家園，喚起自我文化認同，找到存在的意義與驕傲。葉晉玉意識到社區的重生不只仰賴建設，更需要用文化來凝聚人心。他策劃各式藝術活動，邀請居民共同參與，讓藝術成為人與土地重新連結的媒介。每一次展演、每一場聚會，都是重新喚醒地方情感的契機。他深信，唯有親身參與，才能讓人們感受到這片土地的脈動，並從中找到屬於自己的文化根源。 之後，葉晉玉進一步發起「太平藍」計畫，逐漸復興日益消失的客家藍染工藝，帶領居民種植藍草，翻攪染缸，讓布料浸染出深邃的藍，透過計畫，土地的故事彷彿被重新書寫；傳統技藝經過巧思與創意，化作布製品、家居擺設品等等，讓太平藍不僅成為地方品牌，還走向國際，在世界各個角落重現並綻放光芒。 葉晉玉始終相信，文化傳承的種子需要從教育紮根。因此，他與團隊走進校園，將藍染技藝傳授給學童，讓他們親身感受藍染的溫度以及文化厚度。這份從各美其美轉向美其所美的努力和發心，榮獲了教育部藝術教育貢獻獎——績優團體獎的肯定。 葉晉玉認為不必遠求壯麗的風景，只要細心觀察，生活周遭處處皆是美。每個人都可以成為美的創造者，讓文化在土地上扎根，讓藝術之花在人們心中皆可悄然綻放。

楊子儀/「吶幫人」樂團統籌執行長 國立台北教育大學音樂學系碩士 音樂人就是團體人，尤其是樂團；樂團是一小群人，每個人都被需要而形成樂團；讀者能想像樂團中誰最重要——主唱、吉他手、鼓手、貝斯手、打擊樂器？想想著名的愛爾蘭樂團U2，沒有吉他貝斯手Adam或者鼓和打擊樂器手Larry，樂團的音樂、專輯或歌曲就會是一個字「不完整」。因此，音樂團體成員缺一不可！而且團體成員相互掩護。1980年代U2的主唱兼節奏吉他手Bono受到威脅，不准他唱〈Pride〉這首歌，Bono閉上眼唱著，當他睜開眼映入眼簾的就是貝斯手Adam橫擋在他前面，形成他的防護盾牌，保護Bono不受傷害! 樂團表演就是「團體戰」。 台灣目前​施行的課綱要求三大核心素養，其中之一「社會參與」的第二面向即是「人際關係與團隊合作」，可見「團隊」或「團體作戰」的概念，被期望能在教育過程生根、內化到人格中。音樂人更需要具備這種核心素質，音樂人生存不能只靠單打獨鬥、個人技術，團隊合作才是關鍵。 音樂人必須社會化擁有社會性 ​當然也有獨立音樂工作者，絕大多數孤獨困境，來自於不穩定的收入；音樂人不少個性上不善交際，以致無法踏出自己的小圈圈。音樂人投入自己的專業，會奉上所有的時間，例如關閉在狹小房間，只與樂器、編曲軟體進行無止境的對話，其實是喃喃自語。 音樂人的自閉，阻礙他們的社會化；小時候我時常聽不懂同儕間熱衷的流行文化，對流行語詞一無所知，明星、新歌、漫畫、電影同學驚嘆地談論，我們木納以對！練琴是所有的生活，樂曲彷彿就是人生的盡頭。由於沒有社會化，缺乏外界視角與人際交流合作經驗，待學習告一段落，卻無法進入音樂市場、追求音樂事業的穩固基礎。 ​以我個人為例，自小到大參加過、甚至創立不少樂團，其中包括：可以獨立正式營運的學校管弦樂團、登上台灣跨年晚會舞台協助五月天伴唱的阿卡貝拉樂團、受邀出國巡演的獨立跨界樂團等，看起來像是順利地從創立到進入產業，有著完整的歷練，獲得不少可貴經驗，但這時才體悟到優秀的作品、演出，背後必須有「團隊」的支持；過去雖有成功的單打獨鬥案例，但已非時潮，「團體戰」成為音樂人生存道路的主流。 ​樂器加電腦，可以完成串流上的一首首樂曲，但實際上從製作、行銷、統籌演出、視覺設計，零零總總所需人才眾多，需要龐大的人脈網絡，才得以完成一首完整的樂曲。大部分樂團草創初期，資金是最大問題，如何在有限的資金下，完成一首得以讓投資人看見未來，願意投注時間與金錢的作品，這是樂團群體每個人都發揮全力的結果。所以樂團是一個組織，需要領導、內部溝通凝聚力量，外部行銷與社會溝通。 自主創作經由溝通合作達到共性詮釋 ​以音樂工作的角度而言，「完整的演出」便是我們的共同目標。從一開始編曲製作，考量到各個團員的樂器適配程度、樂器音域，量身定制每一個人不同的聲部；再到團練時協同團員討論音樂細節，修正、尋找更合適的聲音，共同編創樂曲的亮點；乃至行政端與合作單位報價，協調節目細節，思考如何創造雙方最大化的收益，並思考透過哪些管道宣傳推廣，又可以與哪些單位談贊助合作。這一切繁瑣的事務，皆需透過「團隊」來進行。 ​走向音樂市場的必經之路，便是建立廣大的人脈網絡，找到更多的人願意為共同的願景一起努力，用現有的資源佈局；但同時人脈也不是越多越好，好的團隊建立在良好的口碑，以及實質的共同成長上，要找熟的人，但也要找到對的人，才能事半功倍！好口碑所帶來的「信任」，有時候勝過情義相挺，更能建立長久合作關係。 ​近幾年音樂產業上發展的改變，與以往藝人自身與公司簽約，經紀人包辦所有演出細節，製作唱片資金充足的大型主流唱片公司取向不同；獨立樂團如雨後春筍般漸漸在各處嶄露頭角，加上低成本的生產模式，使不同專業之間的溝通、交流越發重要；在音樂圈內與圈外的往來越發頻繁下，音樂人很難再單打獨鬥。與人相處合作更是重要的一環，如何在圈子間借力使力，找到合適的合作夥伴，創建全新多元的舞台呈現，融合各式各樣的觀點，也是音樂人時下最需要面對的課題。 創作擁有語言的自主性，但音樂人若是想完全掌控自己的作品，和產業中人如何用共通的語言溝通合作，讓人了解自己的創作，達成共性詮釋，則是另外一門藝術；有了良好溝通合作後，作品才算被完整的詮釋與呈現，而有了社會性。從古典交響樂到現代獨立樂團，甚至當下出現不少跨界音樂融合樂團，古往今來音樂始終是團隊合作的藝術，「團體戰」正是音樂人生存活法則之一。